Potiche - 2010

Título Original: Potiche

Gênero: Comédia

Direção: François Ozon

Roteiro: François Ozon, Jean-Pierre Grédy, Pierre Barillet

Produtores: Eric Altmeyer, Genevieve Lemal, Nicolas Altmeyer

Elenco: Catherine Deneuve , Gérard Depardieu, Fabrice Luchini, Karin Viard, Judith Godrèche, Jérémie Renier, Évelyne Dandry, Sergi López , Bruno Lochet , Elodie Frégé

País de Origem: França

Duração: 103 minutos

Catherine Deneuve e Judith Godréche em cena de Potiche

O Festival Varilux de Cinema Francês traz a 22 cidades brasileiras uma programação imperdível de filmes contemporâneos do cinema de língua francesa. Para conferir a programação, basta entrar no site do festival (http://www.festivalcinefrances.com/). Dentre as produções que serão exibidas, está a comédia Potiche - Esposa troféu, do badalado diretor François Ozon. Depois da parceria no divertido 8 mulheres, ele reencontra a eterna diva Catherine Deneuve, em um filme que é feito para a atriz brilhar. 

"Potiche", que literalmente denomina um tipo de vaso decorado chinês ou japonês, é uma expressão popular usada para caracterizar homens ou mulheres-bibelôs, pessoas que podem até ter alguma posição honorífica, mas que não têm nenhum poder efetivo, sendo usadas, muitas vezes, apenas como um tipo de adorno. É o caso da protagonista do novo filme de Ozon. Suzanne Pujol (Catherine Deneuve) é casada com o diretor de uma fábrica de guarda-chuvas, que é a maior empregadora de uma pequena cidade francesa. A potiche se vê obrigada a assumir o controle da fábrica, quando seu marido se envolve em um sério conflito com o sindicato de trabalhadores local. Ela logo toma gosto pelo poder, causando uma série de conflitos na família. 

Como afirmei no primeiro parágrafo, o filme é feito para Catherine Deneuve e não é de se espantar, por exemplo, que a fábrica comandada pela personagem no filme seja de guarda-chuvas, já que um dos trabalhos mais famosos da atriz é no cultuado musical francês Os guarda-chuvas do amor (1964); uma homenagem sutil e divertida. O filme também promove o reencontro da estrela com outro grande astro francês, Gérard Depardieu com quem ela trabalhou em O último metrô (1980), de Truffaut. Deneuve, com sua elegância e beleza habituais, canta, dança e exibe um carisma encantador em Potiche.

A comédia farsesca de Ozon é ambientada no final dos anos 70. A produção de arte e o figurino inspiradíssimos brincam com o estilo e  a moda deste período. Elementos do filme, como o cabelo à la Farrah Fawcett da filha da protagonista e a dança na discoteca que muito lembra Os embalos de sábado a noite, são referências divertidas à década retratada. Ozon opta também por usar uma palheta de cores variada, criando um filme bem colorido e alegre. 

A trama, que aborda a questão dos direitos das mulheres e da submissão destas diante do poder masculino, não se leva, no entanto, muito a sério. Mesmo que tenha um leve toque subversivo e crítico, a abordagem é, sobretudo, cômica. Em um momento de consagração da protagonista, por exemplo, ela não hesita em agir como uma Evita de cabaré. É exatamente por conseguir surpreender o espectador, indo em direção ao melodrama e fazendo reviravoltas ousadas, que o filme  mostra-se tão divertido. Um momento-chave, nesse sentido, é quando a protagonista revela seu passado sexual.

Contando também com um elenco afiadíssimo, Potiche - Esposa troféu é um filme leve, divertido e que lhe deixará com um sorriso no rosto por muito tempo após sessão. 

Trailer do filme:

Meia noite em Paris - 2011

Título original: Midnight in Paris

País: EUA/Espanha/França  
Ano: 2011 

Duração:100 minutos
Gênero: Comédia 

Dirigido por: Woody Allen

Escrito por: Woody Allen

Estrelado por:  Owen Wilson, Marion Cotillard, Rachel McAdams, Carla Bruni-Sarkozy, Michael Sheen, Nina Arianda, Alison Pill, Tom Hiddleston, Kathy Bates, Corey Stoll, Kurt Fuller, Mimi Kennedy 

Owen Wilson e Rachel McAdams em cena do filme.

Desde 1977, quando lançou o clássico Noivo neurótico, noiva nervosa, Woody Allen nos presenteia com pelo menos um filme a cada ano. O prolífico e multifacetado cineasta de 75 anos é, aparentemente, contra qualquer tipo de folga do cinema e, pelo visto, nem cogita a aposentadoria, uma vez que já está produzindo seu próximo filme, Bop Decameron (2012). Apesar de seus longas gerarem sempre grande expectativa, a última década revelou ser a menos interessante do diretor. Filmes como Dirigindo no escuro (2002), Igual a tudo na vida (2003), Scoop - O Grande Furo (2006) e O Sonho de Cassandra (2007) foram considerados grandes decepções pela crítica. O último lançamento do diretor, Você vai conhecer o homem dos seus sonhos (2010), também não a empolgou. Seus maiores sucessos da década, Match Point (2005) e Vicky Cristina Barcelona (2008), empalidecem quando comparados a obras como Interiores (1978), Manhattan (1979) e o já citado, Noivo Neurótico, noiva nervosa (1977). 

Já há alguns anos, Woody Allen deixou de usar como cenário de seus filmes a sua cidade natal, Nova York, para filmar em cidades européias, como Londres, Barcelona e, dessa vez, Paris. O cineasta explicou que a causa dessa mudança é, sobretudo, econômica, já que filmar na Europa é bem menos oneroso que filmar em Nova York. Seu novo filme, Meia noite em Paris, estreou em Cannes este ano e recebeu uma acolhida calorosa por parte da crítica, sendo um dos destaques do festival. Por enquanto, Meia noite em Paris é o filme de Allen que recebeu as melhores críticas dos últimos anos. Nos sites especializados IMDB e Rotten Tomatoes, o filme tem uma cotação bastante alta. Vale destacar que este último site aponta a produção como o melhor trabalho do diretor desde Tiros na Broadway (1994).

Meia noite em Paris conta a história de Gil (Owen Wilson), um roteirista de Hollywood que sempre  sonhou em ser um grande escritor americano e que viaja a Paris, com sua noiva Inez (Rachel McAdams) e os pais da moça, John (Kurt Fuller) e Helen (Mimi Kennedy). John viaja a Paris para fechar um grande negócio e tanto ele, quanto sua mulher, deixam claro a desaprovação pelo futuro genro. No passeio, Gil ainda tem que suportar um irritante amigo pseudointelectual de Inez (Michael Sheen). Durante sua estada na capital francesa, Gil passa a questionar os rumos da sua vida e de sua obra, se evadindo em um mundo de sonhos e ilusões. Durante uma série de noites, o rapaz faz uma viagem no tempo e volta aos anos 20, convivendo com grandes ídolos, como Fitzgerald, Hemingway, Salvador Dalí, Gauguin, Degas, Cole Porter, Pablo Picasso e Buñuel.

Muitas produções americanas já exaltaram a beleza e o charme de Paris. Talvez a mais famosa entre elas seja o clássico musical Sinfonia em Paris (1951), de Vincent Minelli. O novo filme de Woody Allen entra para a história do cinema como mais uma grande homenagem à capital francesa. O longa funciona, inclusive, como um belo guia turístico, ao mostrar, por exemplo, em sua abertura, sucessivos planos que mais se assemelham a cartões postais em movimento. Mas não é somente a beleza parisiense que é exibida, mas também tudo que é associado à herança cultural e artística da cidade e sua influência sobre grandes nomes da literatura norte-americana como Ernest Hemingway e F. Scott Fitzgerald. 

Gil é um sensível roteirista, completamente apaixonado por Paris e que tem o desejo de se tornar um grande escritor. Ele vive um interessante tipo de nostalgia: aquela por um tempo que não vivenciou, a Paris dos anos 20. O personagem é personificado maravilhosamente bem por Owen Wilson, em seu melhor papel no cinema. O ator compõe um personagem que é, por diversas razões, encantador. Wilson, conhecido por seus papéis cômicos, consegue expressar o drama pelo qual seu personagem atravessa, assim como o entusiasmo do mesmo pela arte. Talvez o momento máximo de sua performance seja quando, em um longo primeiro plano do filme, o ator consegue apenas através do olhar demonstrar todas as emoções vividas por Gil. 

Sonhador, desajeitado, romântico, Gil contrapõe-se a sua detestável noiva, Inez, que assim como seus pais, é materialista, pedante e preconceituosa. Rachel McAdams, que tem no currículo algumas personagens bem irritantes, se supera ao fazer com que o espectador realmente deteste sua personagem. O mundo paralelo de Gil é habitado por grandes nomes da arte que, por sua vez, são interpretados por grandes atores. Kathy Bates, Adrian Brody, Corey Stoll estão absolutamente inspirados e parecem se divertir ao máximo com seus personagens. Já a delicada Marion Cotillard surge, mais uma vez, belíssima como a musa idealizada de Gil. Para mim, uma grata revelação foi Alison Pill, que interpreta Zelda Fitzgerald. Carla Bruni, atual primeira-dama da França, tem uma participação bem pequena e talvez, por isso, não faça muito feio. 

Meia-noite em Paris conta com uma bela fotografia, de Darius Khondji, que ressalta, através das cores, a diferença entre os dois mundos de Gil. Quando este se encontra no passado as cores são mais quentes, levemente puxadas para o sépia. Já a vida real do rapaz é mostrada através de tons acinzentados. O trabalho da direção de arte e do figurino também é genial ao reconstituir 3 épocas diferentes (o presente, os anos 1920 e os anos 1890). Mas um dos aspectos técnicos que mais saltam aos olhos, ou melhor, aos ouvidos, é a belíssima trilha sonora do filme, responsabilidade do também músico Woody Allen. 

Neste novo longa, encontramos ainda pitadas do delicioso humor de Woody Allen e inúmeras referências a grandes artistas e obras, como a bem-humorada passagem sobre o filme O anjo exterminador (1962), de Buñuel . Fazendo uso do realismo fantástico presente também em A rosa púrpura do Cairo (1985), Meia noite em paris é um conto de fadas leve e encantador.

Trailer do filme:

X-Men: Primeira Classe

Os novos rostos do X-Men

A franquia X-Men deve ser elogiada por conseguir manter um alto nível de qualidade em seus capítulos, exceção feita ao medíocre Wolverine (2009). Para relembrar: os dois primeiros filmes (2000 e 2003) foram dirigidos por Bryan Singer e o terceiro (2006) por Brett Ratner. Já Gavin Hood é responsável pelo destoante Wolverine. Juntando-se ao trio de diretores, temos o jovem cineasta Matthew Vaughn, que conta com apenas quatro filmes no currículo, entre eles o elogiado Kick-Ass (2010). 

Vaughn exibe a segurança necessária para as cenas de ação do filme e também cria momentos de extrema beleza e sensibilidade, como a sequência no campo de concentração e no escritório de Shaw (Kevin Bacon). Ele também consegue dar bastante dinamismo à obra, prendendo a atenção do espectador do início ao fim da narrativa. O diretor transforma esta prequel (continuação que retoma a origem de uma saga) em uma experiência bastante interessante e, principalmente, enriquecedora para o conjunto dos filmes. Isso só é possível, no entanto, porque o roteiro opta por ser fiel à história e à personalidade dos famosos mutantes. Com bastante coerência, o roteiro escrito a oito mãos (Ashley Miller, Zack Stentz,  Jane Goldman e Matthew Vaughn), nos revela as motivações de personagens icônicos, como Magneto, Xavier e Mística. 

A história de X-Men: Primeira Classe, volta à origem dos dois grandes opositores da saga, Magneto e Charles Xavier, reconstituindo, gradualmente, a causa da rivalidade dos personagens. Incluindo eventos importantes da infância dos protagonistas, o longa acerta ao investir na relação íntima que os dois estabelecem após o primeiro encontro. A trama se inicia no final da Segunda Guerra Mundial e se desenvolve em meio à Guerra Fria. Ancorado, dessa forma, na História, o enredo concilia de forma eficiente acontecimentos verídicos e a aventura dos mutantes. 

X-Men: Primeira Classe aborda questões importantes, presentes nos longas anteriores, como a da auto-aceitação, do preconceito e da exclusão. Justamente por mostrar a complexidade dessas questões é que se torna difícil julgar os posicionamentos de seus protagonistas, já que ambos têm suas razões. Fugindo, portanto, do maniqueísmo, o longa nos apresenta um Magneto que carrega em si a marca de um grande trauma e um desejo compreensível de vingança e um Xavier extremamente humano e inteligente. Os personagens tiveram backgrounds bem diferentes: enquanto Magneto teve que conviver com a dor e a perda desde cedo, Xavier teve uma vida cercada de luxo e comodidades. Apesar de salientar as diferenças entre eles, é na construção da fraternidade dos dois (que pode até mesmo ser confundida com uma certa homoafetividade) que o filme se destaca.  

O elenco deste X-Men faz um grande trabalho. Composto de jovens e bons atores, ele é encabeçado pelos ótimos James McAvoy e Michael Fassbender. Suas excelentes performances estão entre as melhores coisas do longa. McAvoy compõe um personagem que comove por sua humanidade, espírito de liderança e pela doçura do seu olhar. Já Fassbender comprova seu imenso talento e carisma ao construir um personagem forte, endurecido, por vezes cínico, mas fascinante. Jennifer Lawrence, indicada ao Oscar de Melhor Atriz este ano, mostra que veio para ficar, dando à sua Mística grande profundidade (e olha que é difícil fazer o espectador esquecer da deslumbrante Rebeca Romijn, que encarnou a personagem nos filmes anteriores). E qual foi minha surpresa ao descobrir que o menino de Um grande garoto (2002) cresceu e está fantástico na pele de Hank, um dos mutantes com uma das trajetórias mais interessantes da trama! Deve-se destacar também o bom desempenho de January Jones (a protagonista da série Mad Men) e de Kevin Bacon, que, assim como Fassbender, arrasa no filme, ao atuar em diversos idiomas. Bacon prova ser um excelente ator e constrói um vilão inesquecível. (Torço para que o Oscar reconheça, um dia, o talento do ator, normalmente tão subestimado.) 

Os efeitos especiais, como não poderia deixar de ser, são elementos extremamente importantes no longa. Vaughn acerta ao brincar com os poderes dos mutantes, alternando momentos divertidos e de descontração e outros de extrema tensão. A grandiosa sequência final, envolvendo um helicóptero e um submarino, é particularmente eletrizante. A trilha sonora, mesmo não sendo maravilhosa, sublinha bem os momentos dramáticos e cômicos da trama. 

X-Men: primeira classe, apesar de não ser o meu favorito da franquia, é um ótimo filme, que fascina por ser extremamente significativo para o conjunto da obra. Este capítulo da saga faz jus à franquia e à adorada história em quadrinhos e é um icentivo a uma revisita aos outros filmes. 

Trailer do filme: 

Os melhores beijos do cinema - Parte 2

Inspirado pelo dia dos namorados, resolvi fazer a parte 2 da minha eterna lista dos melhores beijos do cinema. Mas não estranhe: alguns beijos fogem do espírito romântico da data. A parte 3 também já está a caminho.

Do filme mais contemporâneo, para o mais antigo:

1 - O segredo de Brokeback Mountain (Brokeback Mountain) - 2005

O premiado filme de Ang Lee exibe um dos beijos mais intensos do cinema, entre os galãs Heath Ledger (Ennis Del Mar) e Jake Gyllenhaall (Jack Twist). Os protagonistas se reencontram após um longo tempo de separação e não seguram a paixão. A cena revela-se ainda mais dramática uma vez 

que o beijo é assistido pela mulher de Ennis (interpretada pela fantástica Michelle Williams).

Cena original do filme: http://www.youtube.com/watch?v=pfp1yXUqecs

Cena do filme (a música não faz parte do filme):

2 - Cassino (Casino) – 1995

O beijo entre Joe Pesci e Sharon Stone não tem nada de romântico, pelo contrário, é considerado o beijo mais repulsivo do cinema. A cena é tão feia que foi impossível encontrar o vídeo do mesmo. Mesmo assim, é um beijo inesquecível do cinema. O filme em questão é Cassino, do mestre Martin Scorsese. Neste filme, Stone tem, provavelmente, a melhor performance da sua carreira.

Trailer do filme:

3 - Minha adorável lavanderia (My Beautiful Laundrette)– 1985

O ótimo filme britânico de Stephen Frears conta a história do amor insólito entre um badboy ex-skinhead inglês e um jovem ambicioso de origem paquistanesa, interpretados, respectivamente, por Daniel Day-Lewis e Gordon Warnecke. Um amor proibido, subversivo, que cruza barreiras sociais. Nesta cena de amor, eles estão prestes a serem flagrados pelo gerente da lavanderia onde trabalham. A cena do beijo, com direito a champagne, é uma das mais eróticas do cinema.

4 - Victor ou Victória? (Victor/Victoria) – 1982

No divertido musical de Blake Edwards, Julie Andrews se traveste de homem. Mesmo assim, James Garner se apaixona por ela. Na cena do beijo ele diz: “Eu não me importo se você for um homem” e eles se beijam, então, ela revela: “Eu não sou um homem” e ele replica: “Eu não ligo também” e eles se beijam novamente.

Trailer do filme:

5 - O iluminado (The shinning) – 1980

A fantástica obra-prima de Stanley Kubrick tem um dos beijos mais horripilantes do cinema. O perturbado Jack Nicholson descobre uma linda mulher se banhando numa das suítes do hotel “mal-assombrado”. Ela o seduz e eles se beijam, mas quando ele dá uma olhadinha pelo espelho, percebe que está beijando uma idosa cujo corpo está em plena putrefação.

Cena do beijo: http://www.youtube.com/watch?v=WW8oh-mgbms

Trailer do filme:

6 - O poderoso Chefão – Parte 2 (The godfather – Part II) – 1974

Este é o chamado beijo da morte do grande clássico O Poderoso Chefão II. Em uma festa de reveillon em Cuba, Michael Corleone (Al Pacino) revela ao irmão Fredo (John Cavale), que sabe de sua traição e com um violento beijo à la siciliana, ele sela o destino do irmão, dizendo: “Eu sei que foi você, Fredo. Você partiu meu coração. Você partiu meu coração."

Cena do beijo:

7 - Quanto mais quente melhor (Some like it hot) – 1959

A comédia mais adorada do cinema tem também um dos beijos mais divertidos. Nesta cena, o dissimulado Tony Curtis, que se passa por milionário e diz ser impotente, abusa da ingenuidade de Marylin Monroe. Ela tenta a todo custo, através de sucessivos beijos, provocar algum tipo de frisson no moço, mas ele insiste em dizer que nada o tira da sua letargia sexual.

Cena do beijo: http://www.youtube.com/watch?v=beAO7zrZL3A

Trailer do filme:

8 - Ladrão de casaca (To Catch a Thief)- 1955

Ladrão de casaca, filme de Hithcock, tem alguns beijos memoráveis. O primeiro deles é o beijo surpresa que Grace Kelly dá em Cary Crant, quando ele a acompanha ao quarto do hotel. Detalhe: eles tinham acabado de se conhecer e ela o havia tratado friamente durante todo o jantar. Mas o beijo mais espetacular é aquele que ocorre na penumbra de um quarto de hotel e é acompanhado por “orgásmicos” fogos de artifícios. Cena sensualíssima e com toques de fetichismo.

Cena do filme:

9 - Depois do vendaval (The quiet man) – 1952

Depois do vendaval, é um clássico do diretor John Ford, estrelado pelo mega astro John Wayne e pela bela Maureen O’Hara. Neste romântico filme, encontramos dois fantásticos beijos: o primeiro é roubado em meio 

a um vendaval e o segundo é um romântico beijo na chuva que ocorre em um cemitério.

Beijo 1: http://www.youtube.com/watch?v=qu8PcufLNsQ

Beijo 2: http://www.youtube.com/watch?v=jreYChl7k10

Trailer do filme:

10 - Bola de fogo (Ball of fire) – 1941

A comédia Bola de Fogo, vista como uma versão adulta do conto Branca de Neves e o sete anões, tem um dos beijos mais geniais. A ousada e sexy Barbara Stannwick, depois de uma discussão com o nerd Gary Cooper, pega dois grossos livros, sobe em cima deles, para ficar à altura de Cooper e “tasca” vários beijos no moço, dizendo: “Eu vou te mostrar o que é o yum-yum. Aqui tá o yum. (beijo) Aqui tá o outro yum. (beijo) E aqui tá o yum-yum. (beijo).”

Relembre a nossa primeira lista:

http://clubedofilmeleleo.blogspot.com/2011/03/os-melhores-beijos-do-cinema-parte-1.html

Plata quemada - 2000

Eduardo Noriega e Leonardo Sbaraglia em Plata quemada

Já tive a oportunidade de dizer que sou um grande fã do cinema argentino, que sempre nos brinda com grandes filmes e ótimas histórias. Plata quemada vem confirmar a força desse cinema. O filme foi dirigido pelo ótimo Marcelo Piñeyro e sua trama é baseada no romance de Ricardo Piglia, publicado pouco antes da adaptação para o cinema, em 1997. A trama conta a história de um grupo de outlaws que roubam um carro-forte em Buenos Aires e, no assalto, acabam assassinando policiais argentinos. Para fugir da polícia e de um dos mandantes do crime, o grupo formado por Cuervo, Nene, Angel e Fontana deve se refugiar no Uruguai. Detalhe: Angel e Nene são amantes. 

Plata quemada é uma tragédia anunciada desde a primeira cena, o que não impede que o espectador torça por seus personagens até o fim. E é sempre interessante observar como podemos nos identificar com os bandidos. O intenso filme argentino pode ser visto como um Bonnie and Clyde (1967) homoerótico. Em ambos os filmes, dois criminosos envolvidos romanticamente devem fugir da polícia rumo a um destino semelhante. Outra semelhança é que ambos os casais dos filmes enfrentam, em determinado momento, "problemas" sexuais. 

Como afirmei no parágrafo anterior, Plata quemada carrega um tom sombrio e mórbido desde o seu início. É inevitável o sentimento de que algo terrível acontecerá ao fim da jornada. O cinema nos mostra, não tão raramente, personagens que buscam a tragédia, mesmo que de forma inconsciente. É o caso de Cuervo, Nene e Angel.  Em Plata quemada, medo e o erotismo são uma mistura, no mínimo, eletrizante. O que é mais intenso do que o desejo e o medo da morte? Talvez apenas o amor de Angel e Nene. 

Nene, interpretado maravilhosamente bem pelo ator argentino Leonardo Sbaraglia, é o mais sensato do trio. Como afirma Fontana (o mais velho do grupo) ele é o único com quem se pode conversar. O rapaz, no entanto, abandona pouco a pouco a sensatez, a partir do momento em que não consegue mais se comunicar com o seu grande amor Angel. Carregando uma certa ambiguidade sexual, Nene é um poço de luxúria e se envolve também com a belíssima prostituta, Giselle (participação fantástica de Leticia Brédice). Angel, que por sua vez é interpretado por um dos melhores atores espanhóis da nova geração, Eduardo Noriega, é um belo moço que sofre, provavelmente, de algum tipo de esquizofrenia, já que ouve vozes repressoras que manifestam uma suposta culpa pela relação homossexual que ele tem com Nene. Nene e Angel são, mesmo com todos os problemas que atravessam a relação, um casal extremamente apaixonado. A troca de olhares entre os dois personagens é algo indescritível. Cuervo, interpretado com muita energia por Pablo Echarri, é o terceiro protagonista, um jovem irresponsável, viril, amante da cultura italiana e que acrescenta ainda mais sensualidade ao filme. 

Plata quemada é um thriller, um belo filme de amor e um drama psicológico. A excelente narração off dos primeiros 40  minutos é abandonada após dar lugar à voz de Nene e de Angel. Esse abandono não justificado pode ser a única falha do filme. A linda  fotografia abusa dos tons sombrios e das cores acinzentadas. A trilha sonora é outro show a parte; o filme ainda utiliza belas canções espanholas e italianas. 

A sequência final de Plata quemada, magistralmente dirigida, é um soco no estômago... Talvez o filme não seja o melhor do diretor, mas com certeza, é um grande exemplar do cinema argentino. 

Trailer do filme:

A missão - 1986

Robert de Niro em cena do filme

A missão é dirigido pelo cineasta franco-britânico Roland Joffé, que teve bastante notoriedade nos anos 80 e 90. Seus trabalhos de maior sucesso são esta produção de 1986 e o filme Os gritos do silêncio de 1984, ambos indicados ao Oscar. A missão ainda conseguiu a proeza de levar a Palma de Ouro em Cannes. Com um elenco de grandes atores, entre eles, Robert de Niro, Jeremy Irons e Liam Neeson, a produção britânica é lembrada sobretudo pela fantástica trilha sonora do mestre Ennio Morricone.

O filme conta a história da construção de uma missão jesuítica na fronteira do Brasil, Paraguai e Argentina, território disputado por portugueses e espanhóis no século XVIII. No início da trama, acompanhamos o assassinato de um padre pelos índios guaranis. Padre Gabriel (Jeremy Irons) é enviado para substituir seu predecessor e consegue estabelecer uma relação mais próxima com os índios através da música. Um antigo capturador de índios espanhol, Rodrigo Mendoza (Robert de Niro), passa a fazer parte da missão após uma tragédia familiar. Por fim, a missão deve lutar para continuar existindo, uma vez que os colonizadores portugueses tem intenção de dizimar a população local.

A missão proporciona ao espectador momentos belíssimos. O filme poderia existir sem as falas dos personagens, uma vez que os elementos mais importantes da narrativa são a imagem e a música. A primazia desses dois elementos pode ser observada na belíssima cena em que o padre Gabriel faz o primeiro contato com os índios. Perdido em meio a floresta, ele começa a tocar seu oboé atraindo a comunidade indígena que estava preparada para atacá-lo. Através da música, como se ela tivesse um poder encantatório, ele é acolhido pela maioria dos índios. 

Mas, A missão nos brinda com outras cenas antológicas, como aquela em que Rodrigo, em uma penitência auto-imposta (e explicitamente inspirada no mito de Sísifo) deve carregar um rede contendo metais pesados pelos barrancos e cachoeiras da floresta. A cena do perdão, que se segue e que corresponde ao fim da penitência, é particularmente emocionante. Outro momento belíssimo é a cena de abertura que mostra a morte do primeiro padre. Pregado em uma cruz de madeira, ele desce rio abaixo, passando pelas corredeiras, até chegar a uma grande cachoeira. Esta cena simboliza a recusa dos índios pela catequização. No entanto, o momento mais forte do filme, é sem dúvida, a parte final, grandiosamente bela e trágica. 

A missão é um filme cuja história vai se construindo aos poucos. O ritmo por vezes arrastado evoca a vida na floresta e a contemplação da natureza. Ao final, percebemos que os dois terços iniciais do filme, que mostra a estruturação da missão jesuítica e o fortalecimento dos laços entre padres e índios, são absolutamente necessários para a criação do impacto que o último ato terá sobre o espectador. 

O filme não se exime de mostrar a responsabilidade de espanhóis e portugueses na escravização e massacre indígena. A crueldade e covardia tanto dos representantes da coroa portuguesa e espanhola, quanto da própria Igreja é mostrada de uma maneira contundente pelo filme. No entanto, ele não tem o mesmo olhar crítico com os jesuítas, que são mostrados sobretudo como salvadores dos índios. O filme se abstém de se aprofundar na questão da aculturação e da imposição do cristianismo aos índios. 

Apesar de não ser um filme de grandes performances individuais, o elenco de A missão tem um desempenho notável, com destaque para a sensibilidade das composições de Robert de Niro e Jeremy Irons. O trabalho de preparação dos índios também é fantástico, ainda mais se levarmos em conta o grande número de figurantes usados nas cenas do filme. 

A fotografia do filme ganhadora do Oscar, de Chris Menges, é deslumbrante. Optando sempre por opor o espaço fagocitante da floresta e a pequenez dos homens perto da grandiosidade da natureza, Joffé e Menges criam planos extraordinários. O filme, no entanto, não teria o mesmo impacto sem a linda e melancólica trilha sonora de Ennio Morricone. 

A missão é um espetáculo triste e deslumbrante. Vale a pena conferir!

Trailer do filme:

Retratos de família - 2005

Amy Adams, atriz indicada 3 vezes ao Oscar e revelada em Retratos de Família

Retratos de família é o primeiro e único longa-metragem de Phil Morrison. Desde 2005, o diretor não lança nenhum novo trabalho, o que não deixa de ser uma pena, já que Retratos de Família é uma belíssima estreia. Produção independente e de baixo orçamento, o filme de Morrison ganhou espaço na mídia americana por ter sido indicado ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante, revelando uma das mais talentosas e simpáticas jovens atrizes americanas: Amy Adams.

Retratos de Família conta a história de uma marchand de uma galeria de arte de Chicago, Madeleine (Embeth Davidtz),  que viaja com o seu marido George (Alessandro Nivola) para a Carolina do Norte para conhecer a família dele e visitar um pintor excêntrico cujos trabalhos ela quer expor. Madeleine encontra dificuldades para se relacionar com a família do marido, que é formada por Eugene (Scott Wilson), pai introvertido e taciturno, por Peg (Celia Weston), a mãe geniosa e reprovadora, por Johnny (Ben McKenzie), irmão rebelde e zangado e por AshLey (Amy Adams), a cunhada adorável e carente.

O filme é uma intensa experiência de investigação psicológica de seus personagens. A protagonista, Madeleine, belíssima mulher, culta e intelectual, casa-se com um homem pelo qual ela sente uma grande atração sexual, após apenas uma semana de namoro. Aos poucos, torna-se claro ao espectador que a moça não conhece o marido, e que o sexo é o único elemento que os une, a única forma de comunicação desses dois seres. Como uma estranha no ninho, ela se vê obrigada a conviver com pessoas que, na teoria, se tornaram também sua família, mas que na prática não fazem o mínimo esforço para acolhê-la (com a exceção de Ashley). É interessante observar que Madeleine se sente mais a vontade com o artista “louco” que ela quer agenciar do que com a família do marido e o quanto que ela se surpreende com a religiosidade até então adormecida do marido.

A família de George é uma família absolutamente disfuncional. Existe uma barreira entre todos os membros e uma ausência total de comunicação. A casa da família é um lugar onde habitam várias solidões. Esta desolação é representada, por exemplo, por uma bela sequência que mostra vários cômodos vazios da casa. O roteiro não deixa claro a origem da infelicidade e amargura que permeiam a vida dessas pessoas, o que torna a história ainda mais interessante. Afinal, sejam quais forem os motivos, provavelmente, nem elas mesmas poderiam explicar como a convivência deles chegou em um nível tão drástico. O filme nos oferece pistas, mas não nos dá repostas, nem soluções fáceis. 

Assim, a raiva latente que Johnny sente pelo irmão George, pode ser fruto do fato que o irmão mais velho o tenha abandonado para morar em outra cidade ou talvez por ele se sentir fracassado perto do irmão. Johnny provavelmente ressente-se de Ashley por ela ter engravidado e impedido que ele prosseguisse com seus sonhos. A antipatia que Peg sente pela nova nora, deve ser fruto dos ciúmes que ela sente do filho que foi embora e que lhe faz tanta falta. O isolamento do pai talvez seja uma forma de se afastar da animosidade latente em sua família.

Em meio a pessoas que evitam a todo custo qualquer tipo de comunicação, surge uma personagem desesperada por qualquer contato humano: Ashley. Mulher de Johnny e grávida de nove meses, a meiga Ashley mostra uma carência absurda por qualquer tipo de atenção e carinho. Ela vê imediatamente em Madeleine, uma amiga e um ídolo, já que ela admira enormemente a beleza, o refinamento e a inteligência da esposa de George. A extroversão e tagarelice de Ashley escondem uma tristeza e uma solidão absurdas. É tocante perceber que sua verborragia é quase um pedido de socorro. Há algo de assustador no ímpeto da personagem em fazer amizade com Madeleine, o que é acentuado pelos grandes planos do rosto de Ashley, pelos olhos arregalados da atriz e pelo seu sorriso insistente. 

O elenco de Retratos de Família faz um trabalho maravilhoso. Embeth Davidtz cria uma Madeleine sexy e refinada, que tenta ao máximo ser aceita por sua nova família. Alessandro Nivola e Scott Wilson que interpretam respectivamente George e Eugene, se destacam por estarem sempre com uma fisionomia distante. George demonstra dificuldade de se relacionar com sua família, se refugiando constantemente no sono. Eugene é quase um fantasma, uma figura silenciosa e etérea. Deve-se destacar também a bela voz de Nivola, que teve que cantar um hino religioso em uma das mais bonitas cenas do filme. Celia Weston também está excelente; ela interpreta uma mãe endurecida, por vezes autoritária, mas que revela, em determinados momentos, uma grande vulnerabilidade. Ben McKenzie (galã da série teen The O.C.) surpreende numa ótima interpretação, ao compor Johnny como um rapaz bruto, rancoroso, frustrado e que tem dificuldade até mesmo de falar, de tão retraído que é. O destaque do filme é Amy Adams que está absolutamente encantadora. A atriz atua no limite da caricatura, transformando sua personagem numa figura ao mesmo tempo adorável e patética. 

Retratos de família é uma jóia do cinema independente americano e vale a pena ser conferido! O filme brinca pontualmente com o conceito de arte, de mainstream, e de arte independente e alternativa. A abertura do filme é particularmente divertida.

Trailer do filme:

Abril despedaçado - 2001

Rodrigo Santoro em cena de Abril despedaçado

Abril despedaçado é o quarto longa-metragem de Walter Salles. O cineasta carioca de 55 anos tem no currículo oito longas de ficção, vários documentários, além de ter trabalhado na produção de diversos filmes nacionais. A importância de Salles para o cinema brasileiro é inegável. Terra Estrangeira (1996), Central do Brasil (1998), Abril despedaçado (2001), Linha de Passe (2008) são obras que revelam sua sensibilidade para lidar com temas relativos à realidade social do nosso país, sem ser uma exportação das mazelas brasileiras. Sendo igualmente interessante e versátil em produções internacionais, o diretor de Água negra (2005) e Diários de Motocicleta (2004), lançará, este ano, o aguardado filme On the road, baseado na aclamada obra homônima do escritor Jack Kerouac.

Abril despedaçado é uma adaptação do romance homônimo do escritor albanês Ismail Kadaré. A história do romance, que se passa, originalmente, na Albânia rural dos anos 1930, foi transposta para a realidade do sertão brasileiro do início do século XX. O ótimo roteiro é de responsabilidade de Karin Ainouz (diretor de Madame Satã - 2002) e de Sérgio Machado, com a colaboração de João Moreira Salles, Daniela Thomas e do próprio Walter Salles. O enredo do filme pode ser descrito como uma fábula sobre a intolerância. Ou, quem sabe, um tratado poético sobre a vingança ou, simplesmente, a história de dois irmãos que se vêem no centro de uma guerra familiar. 

A trama talvez possa ser resumida assim: a família Breves e a família Ferreira vivem uma guerra por posses que se arrasta por gerações. No início da trama, Inácio Breves é assassinado por um filho do clã Ferreira e o irmão de Inácio, Tonho (Rodrigo Santoro), deve vingar sua morte. As mortes sucessivas de ambos os lados sugerem um ciclo que levará ao extermínio das duas famílias. A família Breves, após o assassinato de Inácio, passa a ser composta de apenas quatro pessoas: a mãe (Rita Assemany), o pai (José Dumont), Tonho e o menino (Ravi Ramos Lacerda). Com a passagem de dois artistas circenses pelo sertão, muitas coisas começam a mudar na vida de Tonho e "menino". 

Os 30 primeiros minutos do filme são magistrais. Neles, reconstituímos toda a história da família Breves através das pistas que o filme nos dá. Também podemos perceber como se organiza a família, qual a função que cada indivíduo exerce dentro do sistema familiar e também podemos compreender a dimensão do mal que assola as vidas dessas pessoas. O trabalho de moeção de cana para a produção de rapadura é o meio de subsistência da família, um trabalho extremamente duro que se mostra cada vez menos lucrativo com a chegada da indústria. As condições de vida dos Breves são precárias e, provavelmente, inferiores à dos Ferreira. Mas não existe o lado bom e o ruim, todos são vítimas e algozes. O pai Breves é a autoridade absoluta, uma figura embrutecida e detestável, que possui valores bem rígidos. A mãe é uma mulher sem voz, submissa às leis do marido. 

Tonho e "menino" são os reais protagonistas da história. Eles não têm nada a ver com o conflito que acabam herdando de seus predecessores e, mesmo assim, tudo indica que eles serão os continuadores de um ciclo de ódio. O menino assume, por diversas vezes, o papel de contador da história, ou até mesmo, um contador de histórias, uma vez que ele inicia o filme dizendo que gostaria de contar outra história, mas que não pode porque essa (a que acompanharemos) não lhe sai da cabeça. Provavelmente, ele precise contá-la para compreender e denunciar o que vive. Este menino sem nome é a figura da imaginação, em um lugar onde qualquer tipo de evasão é punida. Os dois  protagonistas se comunicam com o olhar e tudo que ocorre em um tem eco no outro. Poucas vezes uma relação entre irmãos foi tão poeticamente retratada no cinema. Os irmãos são duas almas que dialogam, talvez uma mesma essência. 

O sertão é apresentado como um lugar onde impera outro tipo de lei. A vingança é planejada, a retaliação obedece a regras. Tudo é ritualizado e obedece ao código da honra. Existe até mesmo uma etiqueta na morte: o assassino vai ao velório da vítima para orar por sua alma e prestar condolências à família. O absurdo está instaurado na vida das pessoas e o ciclo de violência parece não ter fim. O que fazer quando uma obrigação moral leva um indivíduo em direção à morte? Somente o menino (posteriormente batizado de Pacu) tenta insurgir contra a filosofia da vingança e somente ele pode ser capaz de acabar com o ciclo de violência. 

O elenco de Abril despedaçado é primoroso. Rodrigo Santoro e Ravi Ramos Lacerda têm atuações especialmente encantadoras. Santoro constrói um personagem que se contrapõe à aridez a sua volta. Ele atua com o olhar, em uma composição delicada, contida e emocionante. Já Ravi, encanta ao encarnar uma criança que, através do humor, mostra ser consciente da realidade em que vive. De todos os personagens, ele é o mais sábio. Pacu sonha e infla em seu irmão o desejo de sonhar. Sua sabedoria e espírito crítico são revelados em frases como: "Em terra de cego, quem tem um olho só, todo mundo acha que é doido"; "A gente é que nem os boi: roda, roda e não sai do lugar". 

Se a direção de Walter Salles salienta a aridez e a vida endurecida da população rural, ela também cria momentos de puro lirismo. Os planos-detalhes das engrenagens do moinho, por exemplo, sugerem o despedaçamento do título, o desfacelamento da família. A repetição dos planos de extração do caldo de cana tem a importante função de mostrar que os indivíduos estão presos em uma realidade desumanizadora, se transformando em máquinas. O trabalho no moinho é também uma metonímia da organização familiar. A maneira com a qual o pai lida com os bois, se assemelha à maneira com que ele comanda a própria família.

Salles contrapõe a realidade indesejável do sertão a momentos de liberdade, poesia e retorno à infância. As belíssimas cenas da gangorra, em que a câmera acompanha o movimento do brinquedo, são belíssimas. E o que dizer da linda cena de Clara fazendo acrobacias em uma corda? Uma cena de uma sensualidade e erotismo únicos, que parece representar a realização amorosa de Tonho, que até então nunca tinha conhecido o amor e o sexo. 

A fotografia de Walter Carvalho impressiona tanto nos grandes planos das paisagens, quanto nos momentos claustrofóbicos da família à mesa. A tonalidade amarronzada predomina no filme, remetendo obviamente à aridez do sertão. A trilha sonora de Ed Cortês, Antonio Pinto e Beto Villares transforma o filme em uma experiência ainda mais emocionante, sublinhando perfeitamente os momentos dramáticos da trama.

Abril despedaçado é uma boa pedida para o final de semana!

Assista ao trailer: